Kara DioGuardi sabe cómo pueden sobrevivir los compositores y la industria musical Arthouse Entertainment, ex juez de 'American Idol' y la compañía editorial de música boutique de compositores nominados al Grammy, continúa encontrando formas innovadoras de incubar jóvenes talentos. Porque como asegura DioGuardi, "el paradigma ha cambiado".
Por Kenny Herzog •
Este artículo fue traducido de nuestra edición en inglés.
Kara DioGuardi lo ha visto todo en su industria, pero no ha viajado tan lejos de donde comenzó. La compositora nominada al Grammy, buscadora de talentos, ex jueza de American Idol y propietaria de la editorial de música boutique Arthouse Entertainment creció como la hija con una orientación creativa de un padre de CPA convertido en congresista y una madre editora de libros políticamente activa en los suburbios de New Rochelle. , NY Ahora, vive a solo 12 millas de distancia por la I-95 en Greenwich, Connecticut.
Su historial de más de dos décadas, con créditos de coescritura de artistas como Gwen Stefani y Pink y el desarrollo de artistas emergentes de Arthouse, incluidos Ingrid Andress y Jon Bellion, el último de los cuales contribuyó a la última novela de Justin Bieber. LP - le ha permitido ciertas trampas de éxito. Pero DioGuardi insiste en que está decididamente concentrada en los jóvenes compositores que ascienden en las filas y en cómo proporcionar una red de apoyo de pares y mentores para asegurarse de que ningún diamante quede en bruto.
Además de Arthouse, que fundó en 2001 con su socio Stephen Finfer, DioGuardi lanzó hace cinco años una organización sin fines de lucro llamada Inspired Nation que, en sus propias palabras, "tiene como objetivo construir un puente entre el talento y los sueños de nuestra juventud y su esperanza. por un mundo mejor y más inspirado ". En ejecución, eso significa proponerse "redefinir las competencias vocales no solo como una forma de celebrar el talento, sino como un conducto para la apreciación de los jóvenes y el activismo comunitario". (También está incubando una próxima aplicación de conectividad para artistas llamada Briidge).
Entonces, ¿cómo ha resistido DioGuardi los últimos 20 años de hipervolución en su industria y, más agudamente, un año y un cambio de interrupciones pandémicas en el negocio de la música como de costumbre? En una conversación telefónica desde su casa antes mencionada en Connecticut, la ex guardiana de Idol habló sobre eliminar las barreras entre los artistas y sus aspiraciones y cómo los compositores contemporáneos, y no los chirriantes conglomerados de sellos discográficos, tienen todas las cartas.
El panorama de la industria de la música está en constante cambio, ¿no es así?
Seguro que lo es. Está cambiando más rápido de lo que creo que la mayoría de la gente sabe qué hacer, y los cambios son rápidos y generalizados. Ha pasado mucho tiempo. Hay todos estos cambios que están empujando al negocio de la música a esta era tecnológica. Tenemos estas nuevas métricas que nos dicen qué artistas están surgiendo y con qué grupos se están conectando ciertos artistas, y toda esta nueva información nos está ayudando a elegir talentos para el futuro.
El negocio de la música siempre ha sido lento en mirar la tecnología para informar decisiones para el futuro. En realidad, nunca se han asociado con empresas de tecnología. Lo que encuentro frustrante a veces con la industria de la música es que creamos estos productos, pero los hacen gente de la música y no gente de tecnología. Creo que la clave para que sobrevivamos realmente como industria es buscar los mejores y más brillantes socios tecnológicos para guiarnos hacia el tipo de aplicaciones e inteligencia artificial que necesitamos para informar las decisiones.
En efecto, la industria de la música puede determinar la inevitabilidad de su propia obsolescencia.
Exactamente. Algunos de los principales [sellos discográficos] han comprado estas compañías que ayudan a distribuir música en línea, pero cuando llegó TikTok, había estado sucediendo en Asia durante años. No era ningún secreto, ¿sabes? Y luego, de repente, está aquí, y la gente de A&R [artistas y repertorio] lo mira como, "¡Está bien, tenemos que poner [a nuestros artistas] en TikTok!" Esa no puede ser nuestra estrategia. Necesitamos ser mucho más proactivos que eso.
¿Esta nueva aplicación de Briidge que está desarrollando es un ejemplo de ese tipo de enfoque progresista?
Briidge es para compositores, que no es un gran mercado, pero es el mercado que me interesa. Es una aplicación que te emparejará con otros compositores de todo el mundo, pero no se basa solo en tus habilidades. Se basa en una especie de encuesta desarrollada por psicólogos que realmente se centra en tu personalidad, tus hábitos de trabajo. No es como si pudieras juntar a dos personas. Quiero decir, hay toda una industria [de representantes de A&R] en el mundo editorial que une a las personas, pero si pudieras tener esta IA que trabaja virtualmente 24 horas al día, 7 días a la semana, emparejando personas, les ayudaría a crecer más rápido, porque tendrían acceso a todos estos escritores que nunca habían conocido. Sentirían un sentido de comunidad. Y realmente, ¿por qué no deberían poder derribar las barreras de la industria y la geografía y las ramificaciones financieras de tener que viajar a todas partes para conocer gente?
¿Esto deja espacio para los compositores e intérpretes jóvenes que son un poco más tímidos a la tecnología y han idealizado la idea de más conciertos y redes de base?
Nada puede reemplazar eso. Estoy absolutamente a favor de salir frente al público tocando en conciertos. Ahí es donde realmente creces en términos de tu desempeño y cómo decides presentarte a la gente. Eso es algo que durará para siempre. Creo que incluso si estás haciendo conciertos virtuales , debes tener confianza y la capacidad de crear un espectáculo.
Estaba a punto de decir que la mayoría de los músicos no pueden hacer shows en persona en este momento de todos modos, así que algo tiene que ceder.
Correcto. No pueden hacer eso. Pero lo que pueden hacer es conocer a otros creativos como ellos que están en el mismo barco y se sienten parte de algo más grande. Todavía puedo sentir a alguien a través de una computadora. Preferiría tenerlos allí que no tenerlos en absoluto. Entonces, si alguien está en Suecia y quiero escribir con él, al menos puedo desarrollar una relación con él en línea. Y no solo eso, puedo trabajar en algo durante el día y luego enviárselo, y cuando me despierto ya está hecho.
Ese tipo de colaboración a larga distancia habilitada por la tecnología ha estado ocurriendo de manera algo primitiva desde al menos la banda The Postal Service . Pero ahora parece que puede ser una herramienta esencial.
Absolutamente. Les da a los artistas el poder de conectarse entre sí. Con [Briidge], calificas a los coescritos, por lo que refinará aún más con quién te emparejas. Entonces, si estás como, "Eh, la letra no funcionó como esperaba", en realidad te permitirá crear nuevos filtros.
Y en esta visión virtualmente comunitaria del futuro, ¿pueden los artistas proteger la integridad de su trabajo original?
Sí, se presta a blockchain y contratos inteligentes y posiblemente NFT en el futuro, porque muchos de ellos serán escritores nuevos e inéditos. Pero incluso en mi trabajo en Arthouse, debido a que las personas a las que contratamos no tienen nada, la única forma en que mejoran es poniéndolos en la sala con [colaboradores], y escriben cientos, a veces miles de canciones antes de que suceda algo. . Así es como mejoran. Esa es su educación.
¿La interrupción de tantas fuentes de ingresos tradicionales para los músicos intérpretes ha provocado que más talentos no solicitados llamen a su puerta sobre acuerdos de publicación?
Es una especie de doble. Si eres un artista prometedor, eres dueño de tus masters y puedes poner cosas en Spotify y crear una base de fans. De hecho, puede comenzar a ganar algo de dinero, porque el lado maestro le hará ganar algo de dinero. Por lo tanto, realmente ha obligado a las personas a ser muy conocedoras del marketing en la web y a través de estos proveedores de servicios digitales. De hecho, los ha obligado a conectarse con sus fans. Es por eso que TikTok se salió de las listas. Esta fue una excelente manera para que los niños que querían publicar música no solo hicieran eso, sino que también se conectaran con sus fanáticos mostrando un lado de su personalidad. O mostrar el comienzo de una canción y pedirle a otras personas que digan: "Dame una línea, te escribiré una canción". Crear una base de fans es valioso. Puede monetizar eso tal vez incluso más de lo que podría en un concierto en el que ganaba $ 50 por la noche en una cafetería.
La segunda parte es que muchas personas también se ven obligadas a escribir más en el sentido de que es posible que no tengan la conexión cara a cara, pero es muy fácil saltar y hacer una cosa por la mañana con otra persona, y luego salta por la tarde y termina una canción que empezaste hace tres días. Es muy eficiente. También creo que se han escrito muchas canciones durante la pandemia porque es fácil subirse a un Zoom durante unas horas para terminar algo, grabarlo y luego volver al zoom.
¿Es así como estás buscando talento ahora? ¿Ver quién surge de esta subcultura?
No sé si estoy encontrando gente a través de Spotify y TikTok, porque todos los demás están buscando allí. Estoy mirando muy temprano, antes de que tengan esos momentos. Esa es mi especialidad. Ahí es donde encontré a Jon Bellion e Ingrid Andress. No tenían estas grandes bases de fans. Las métricas no estaban ahí. Entonces, mi modelo con esta iteración de Arthouse ha sido talento en bruto que no todos en la industria de la música pueden ver o no y en el que no todos en la industria de la música quieren invertir porque es demasiado pronto. Para mí, esa es la alegría.
Al ofrecer tu tutoría personal y abrir una red de pares, ¿estás ayudando a los nuevos compositores a evitar caer bajo el dominio del tipo de svengali depredador que solía ser tan común?
Sí, no me suscribo a eso. Intento contratar a artistas jóvenes y crear una comunidad a su alrededor de personas que creo que los guiarán. Puedo orientarlos de una manera, y luego alguien más les da otra cosa. Es como criar a un niño: se necesita un pueblo. No quiero ser la única persona en sus vidas, porque no van a aprender lo que necesitan aprender. Veo la industria de la música a través de una lente, pero el mejor consejo que puedo dar es que no diga todo lo que les voy a decir es la Biblia. Sé mucho, pero también hay gente que sabe más que yo, y no tengo miedo de eso porque todo mi objetivo es convertirte en la mejor versión de ti mismo como persona, artista y compositor.
En términos generales, ¿puede la industria de la música seguir nutriendo a los artistas de álbumes de larga duración mientras responde al ritmo urgente de cómo se fabrica y consume el contenido?
Lo primero que deben hacer los artistas y compositores es traspasar los límites de lo que ya existe, porque si puedes escribir una canción que suene como si perteneciera a la radio porque la estás comparando con lo que está en la radio, entonces ' se va a quedar corto. Se trata de abrazar tu singularidad. Eso es en lo que el desarrollo debe trabajar para todos: encontrar su voz y no conformarse. Ahora tienes estos increíbles artistas de streaming que quizás no escuches en la radio, pero tienen una gran base de fans porque cuentan sus historias de una manera única. El paradigma ha cambiado.
